Bidonville

Di Vittorio Falletti

Ci sono molti modi di esplorare e rappresentare la contemporaneità, per un artista. Paola Risoli fa – da sempre – scelte impegnative: sul piano narrativo, estetico ed esecutivo. Frutto di oltre un anno di intenso lavoro, “Bidonville” ne è l’ennesima e probabilmente la più rilevante testimonianza. Sette bidonidipetrolio sette, come le note “sorelle”, produttrici d’oro nero e di connesse opulenze e sofferenze umane. Sgrassati e ripuliti all’interno, segati col flessibile per realizzarvi aperture laterali, quindi ‘riempiti’ con ricostruzioni miniaturizzate di vari ambienti (gli interiors): l’uno diverso dall’altro, tutti parzialmente-magicamente illuminati. Stampe fotografiche di grandi dimensioni che esaltano particolari delle ambientazioni interne dei bidoni completano l’allestimento. È una bidonville accattivante, che invita a non fermarsi alle apparenze (la durezza e la rozzezza del metallico vecchio bidone) ma ad andare oltre, ‘dentro’ e trovare situazioni inconsuete, spiazzanti, emozionanti.

Una bidonville capace di comunicarci – come in un romanzo di Genet – che ogni dimensione umana, anche la più povera, marginale e a prima vista fastidiosa, può nascondere una sua speciale bellezza e “ricchezza”. Negli interni, realizzati con materiali di recupero, troviamo ricostruzioni sorprendenti di ambienti domestici e non, scritte, un codice a barre, immagini, oggetti usati e abbandonati: l’armonia cromatica e l’equilibrio compositivo (ma anche i singoli dettagli, esaltati nelle stampe fotografiche), valorizzati dai giochi di luce generano una tensione estetica intensa e raffinata. E non è per nulla banale il passaggio “dalla raffineria alla raffinatezza”. Né vuole essere un giochino semantico. C’è da parte dell’artista il desiderio di ridare senso e dignità a cose abbandonate, così come di valorizzare le potenzialità di alcolisti, tossicodipendenti, malati mentali, con i quali da anni realizza laboratori artistici. E c’è l’urgenza etica di attirare l’attenzione sulle bidonville vere, dove l’agenzia delle Nazioni Unite Onu-Habitat prevede che nel duemilatrenta abiteranno circa due miliardi e mezzo di persone.

L’attenzione per problematiche scottanti della contemporaneità, oltre all’utilizzo della tecnica dell’assemblaggio con materiali recuperati, crea un collegamento ideale tra il lavoro di Paola Risoli e quello dell’artista americano Edward Kienholz. Significative – però – le differenze, a cominciare dai formati delle installazioni: le più importanti ricostruzioni di Kienholz erano infatti a grandezza naturale (come lo sono, oggi, quelle di Robert Kusmirowski) mentre la Risoli lavora sempre su scala ridotta, anche reinventando gli oggetti: così la gabbietta del tappo di champagne diventa sgabello il contagocce si fa bottiglia, il blister dell’aspirina ciotola. E poi i piccoli ambienti sono sempre ospitati da contenitori: oidoni, vecchi televisori, taniche, ecc. Ma il più significativo elemento di originalità è rappresentato dalla cifra stilistica “cinematografica” che informa la narrazione di Paola Risoli (laureata in storia e critica del cinema e cinefila).

Le sue installazioni sono “fotogrammi mentali”, o ancor meglio “fermi immagine” Istanti indimenticabili di un film d’autore in cui l’ambiente è così sapientemente costruito e illuminato da sembrare vero; in cui basta una lampada accesa o la pentola sul fornello a evocare una presenza e farci partecipi di una storia. Ne è ben consapevole l’artista, che per questa mostra ha voluto che i suoi bidoni fossero collocati in una stanza poco illuminata e ha realizzato sgabelli che consentono allo spettatore di osservare con calma e da vicino la scena. Come al cinema. L’opzione estetica scelta da Paola Risoli ha rilevanti implicazioni sul versante teorico-concettuale, collegandosi idealmente il suo lavoro a un filone altissimo dell’arte contemporanea, che va da Rothko a Murakami, passando per Warhol. La parola-chiave è flatness.

Facciamo un salto indietro nell’immediato dopoguerra. Il grande critico Clement Greenberg teorizza l’urgenza della bi-dimensionalità in pittura: l’artista deve smettere di cercare la terza dimensione, già mirabilmente e in tutti i modi possibili rappresentata, da Giotto in poi, e accettare che il quadro sia una superficie piatta. Un inno, oltre che un’esortazione, alla “piattitudine”, perfettamente rappresentata dagli artisti del celebre movimento degli anni cinquanta che va sotto il nome di “Color field painting”. L’impianto teorico è così pregnante che quando, alcuni anni dopo, Leo Steinberg e William Rubin (con Lawrence Alloway) danno corpo alla pop art, sottolineano come l’iconografia della nuova corrente si rifaccia a immagini già esistenti e note (specie dalla pubblicità): la vera essenza estetica della lattina Campbell’s Soup, prodotto di largo consumo fortemente reclamizzato in fotografie pubblicitarie è perciò “piatta”, come le fotografie, e la pop art “sta dentro” il concetto di flatness. Concetto forte e non dimenticato da artisti colti anche in anni molto più recenti: Takahashi Murakami definisce “superflat” la sua estetica, nella quale sia la pittura sia gli allestimenti multidimensionali hanno anch’essi una natura piatta, in quanto si ispirano a popolari immagini manga dei fumetti a larghissima tiratura.

In modo analogo Paola Risoli ci conduce nella dimensione cinematografica, da schermo piatto, proponendoci una originale e intensa variante estetica di flatness, della quale le stampe fotografiche dei particolari diventano parte integrante, in un inedito gioco tra media. Di più. Come in una dimensione onirica simmetrica a quella del Woody Allen de “La rosa purpurea del Cairo” dove il personaggio esce dal film per aventurarsi nel mondo reale, l’artista ci permette – grazie a webcam – di entrare nella ‘pellicola’ ed esplorare – dal di dentro – magie e contraddizioni dei luoghi in cui si svolge il “Sud dell’esistenza”.

Well done, Paola!