Paola Risoli, regista di un microcosmo

Gibert Perlein e Laura Pippi-Détrey

Paola Risoli sa «rimboccarsi le maniche», in senso letterale, per creare dal nulla un microcosmo nel cuore del MAMAC. L’artista propone un gruppo di venti barili, che hanno già una lunga storia alle spalle, avendo contenuto, in epoche passate, petrolio o chissà quale altro prodotto: sono ammaccati, arrugginiti, e hanno attraversato oceani per approdare infine nello studio di Paola Risoli. Da allora, l’artista si dedica a un lavoro prevalentemente fisico: ritaglia un’apertura direttamente in ciascun barile, per allestire al suo interno un quadro scenografico, edificando architetture antiche e microscopiche, che ama definire micromondi alloggiati in container».

Mentre un visitatore può fisicamente entrare all’interno di una scultura monumentale, nelle opere ci Risoli si entra emotivamente, come un gigante che sbarca sulle rive di un micro-universo. Nell’elaborazione delle sue opere, l’artista combina diverse tecniche ci pittura, collage, assemblaggi, scultura, oppure nessuna di queste. All’esterno, l’autrice propone immagini dei suoi interni, proiettate in tempo reale, in forma di filmati quasi irreali o delicate fotografie. Questo triplice procedimento genera altrettanti punti di vista, che rinnovano lo sguardo del visitatore sulla scenografia dei barili. Visto su di un grande schermo, un oggetto posto su un piano ravvicinato appare ancora più sconcertante e potente.

L’abilità tecnica risiede nel continuo gioco di va e vieni, in cui la spettatore oscilla incessantemente dall’interno all’esterno, dall’architettura alle fotografie e ai filmati che ad essa si rapportano. La «scenografia teatrale» di Risoli ha la stabilità del mondo reale e la leggerezza dell’immaginazione. Il «pianeta Risoli è un viaggio fra l’immobilità della scultura e il dinamismo del cinema. L’artista ci propone una dicotomia, tra un ambiente abitativo insolito, la tanica di benzina, e la visione luminosa della fotografia e della proiezione, idealmente assemblati all’interno di una dinamica di immagine nell’immagine.

L’illuminazione e l’atmosfera creano un enigma che la fantasia dello spettatore cerca di risolvere, vagando fra queste curiose ‘colonne’, e scoprendovi mano a mano dei lucernari, che rivelano al loro interno assemblaggi minimali che rappresentano interni e spazi urbani. I quadri congelati e sospesi nel tempo sula carta patinata delle fotografie infondono un senso di pacificazione dopo un momento di agitazione. Che si tratti della stanza di un artista, di una cucina in disordine o di un bistrot, queste costruzioni lasciano trasparire un ambiente onirico che i protagonisti, donne e uomini, hanno abbandonato precipitosamente per ragioni ignote. Le scenografie quasi spettrali comunicano un clima di attesa, di stupore di fronte a oggetti che compongono un quadro brulicante di dettagli: una poltrona vuota su un pavimento, un’altalena rotta abbandonata, una cucina in disordine con utensili ammonticchiati nel corso del tempo, tutto amplifica l’assenza della figura umana.

Queste «case di bambola attirano lo sguardo del visitatore curioso, che assume un atteggiamento sempre più voyeuristico nel tentativo di penetrare in questi spezi chiusi e intimi. I dettagli degli interni sono realizzati recuperando fili, turaccioli e cartone, che si trovano solitamente in fondo ai cassetti. L’artista ama cercare le tracce e i ricordi degli oggetti scartati, per poi insufflarvi una seconda vita. Nel mondo soprannaturale di Risoli, un tappo di spumante si trasforma in sgabello, scatole di medicinali in mobili, una graffetta in altalena e un tappo di birra in teglia da forno.

L’elemento chiave per perfezionare il tutto è la luce, che permette di accentuare la tridimensionalità dello spazio. La realizzazione degli interni è, da un lato, improntata a un’apparente semplicità, e allo stesso tempo richiede una tecnica raffinata, frutto di grande creatività e inventiva. Il senso della vista è prevalente, ma non esclusivo: l’origine è sempre e immancabilmente sensoriale. L’obiettivo primario è far percepire il volume, le asperità e la grana degli oggetti messi in scena. La trama scenografica risulta proprio da questi elementi secondari, perché è innanzitutto arte del dettaglio: pensare l’arte di Risoli significa in primo luogo pensare “in piccolo” e interrogare il dettaglio attraverso l’oggetto al quale la webcam darà vita.

L’articolazione degli interni è spesso ridotta ai minimi termini, permettendo così la massima ampiezza interpretativa, e a volte si riduce alla semplice evocazione di un ambiente. Il travaglio kafkiano dell’artista italiana evoca in ciascuno di noi riferimenti intimi e personali, e talvolta entra persino in risonanza con la storia del arte. L’evocazione del surrealismo è pregnante nell’opera di Risoli, che si rivela particolarmente vicina al lavoro di Luis Buñuel. Le miniature in scatola di Joseph Cornell pioniere americano del assemblaggio di oggetti trovati, non possono non ricordare la tecnica surrealista della giustapposizione con toni nostalgici, prossimi a quelli di Paola Pisoli: un mondo di apparenze ingannatrici e finzioni, improvvisato, fonte di fascinazione e ci aleatorietà.

Un minuscolo universo fabbricato a mano, barocco, e ad un tempo oscuro e poetico, narrazione luminosa e imbevuta di diversi influssi cinematografici, che evoca in particolare il cinema dei fratelli Quay. Anche l’artista multidisciplinare francese Charles Matton, scultore e regista cinematografico, decina il principio del mezzo microscopico Indispensabile al processo creativo, con la sua serie intitolata Les Boiles» (Le scatole). Mation dipinge i muri e scolpisce i mobili e gli accessori, che poi colloca dietro finestre simili a vetrine, illuminando il tutto in vari modi. In seguito fotografa il suo soggetto e ne ricava un dipinto. Gli universi di Risoli sono analogamente e necessariamente piccoli, poiché l’artista desidera ritrascrivere i più rapidamente possibile le sue immagini mentali per mezzo di materiali semplici, che trova a portata di mano. In entrambi i casi, la soluzione sta nella possibilità di guadagnare spazio attraverso la mediazione di un mondo in miniatura, e tempo attraverso l’uso della fotografia.

La mostra SITEMOTION è dunque imperniata su temi quali la memoria, l’amore, i rapporti uomo/donna, l’emancipazione della donna, la Storia, la melanconia e, naturalmente, le arti come cinema. Nei suol interni, l’artista incastona sguardi di attori tratti da film di grandi registi, in un cantiere di emozioni e di movimenti. I suoi mondi sospesi conducono lo spettatore nel cuore di una nuova dimensione, dentro le scene leggendarie di grandi cineasti come Jean-Luc Godard, Alain Resnais, Wim Wenders, Shirin Neshat e Pedro Almodóvar. La magia si compie attraverso la metamorfosi di questi barili in una creazione dal forte potere narrativo e sensoriale. L’artista invita il visitatore in un mondo parallelo, creato con profonda intensità, per immergerlo in una situazione che potrebbe essere quella di un set cinematografico. La narrazione oscilla fra realtà e finzione, con tonalità a volte cupe e sature, come in una sala di proiezione.

L’attrazione di Paola per il cinema si palesa fin dai tempi dell’università, quando discute una tesi dedicata all’opera di Michelangelo Antonioni nei suoi legami con la pittura e la fotografia. La scelta dei film è in accordo con il suo vocabolario plastico e il suo stile artistico. Nella selezione filmica, la figura femminile si pone al cuore della mostra SITEMOTION. Il mondo nato dalle mani di Paola si fonde con le citazioni del film per mezzo di estratti e immagini, di cui e costellato il percorso espositivo: Vivre sa vie di Jean-Luc Godard, Hiroshima mon amour di Alain Resnais, Atame! e Tutto su mia madre di Pedro Almodóvar, Pina di Wim Vienders e Donne senza uomini di Shirin Neshat. Ognuno di questi film è un’ode alla donna, che Risoli ci propone come il filo rosso che corre lungo il suo progetto. A suo modo, anche Paola Risoli è una regista.

In questa mostra, l’artista esprime chiaramente l’ispirazione che le viene dalla Nouvelle Vague, mettendo in luce la lezione di Jean-Luc Godard. Quest’ultimo ama mettere al centro del suoi film muse ispiratrici che assurgano poi a immagini mitiche: Brigitte Bardot in Il disprezzo, Anna Karina in Il bandito delle 11 e Questa è la mia vita, o ancora Isabelle Huppert in Si salvi chi può (La vita). Questa è la mia vita è una cronaca della vita quotidiana di una prostituta, Nana, interpretata da Anna Karina. Nana cerca la libertà in un mondo che non sempre e in grado di capire; Risoli dà rilievo a quest’analisi proiettando, su un muro dello spazio espositivo, una parte del dialogo di Nana a proposito dell’interrogativo: siamo sempre responsabili delle nostre azioni? A differenza del personaggio letterario di Zoia, la Nanà di Godard non ha in sé neanche un grammo di crudeltà. Al contrario, è una donna fragile e commovente, che ricerca solo la felicita. Anche Pedro Almodvar è un virtuoso nel mettere in risalto la figura femminile. I regista dipinge la forza, propria delle donne, di accettare la vita nella sua interezza: gioie e dolori, piacere e sofferenza, sogno e realtà quotidiana.

Marina, protagonista del film Légami, e Manuela, musa di Tutto su mia madre, sono esempi emblematici in questo senso. L’omaggio dell’artista alla grande coreografa e danzatrice tedesca Pina Bausch è duplice: Risoli lo rende da un lato con il film Pina di Wim Wenders, dall’altro con i brani scelti nelle sue fotografie di sguardi e di estratti dal film. L’esperienza emotiva si fa allora luminosa e totale. La scelta di accostarsi alla figura di Pina Bausch si coniuga con i temi propri di Risoli. La coreografa scavava nelle storie di vita di ciascun ballerino per poi trascenderle e toccare aspetti della comunicazione nei rapporti uomo/donna, attraverso la danza come mezzo espressivo. A volte Risoli sovrappone la storia individuale di diverse donne e la Storia: i bombardamenti atomici della Seconda guerra mondiale in Hiroshima mon amour, e il colpo di stato in Iran dell’agosto 1953, fomentato dagli Stati Uniti per rovesciare il Primo Ministro, in Donne senza uomini. In entrambi i casi, l’artista accoglie la volontà dei registi partecipando al dovere della memoria, tanto collettiva quanto individuale. Le eroine di questi cineasti sono presentate come esseri a un tempo fragili e forti, pieni di dignità ma anche mutevoli. Risoli non prende partito con altrettanta nettezza, ma ci presenta dati fattuali attraverso la storia di queste donne: è il suo modo di interrogare il visitatore.